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Los instrumentos musicales
electrónicos se definen como instrumentos que sintetizan sonidos de una fuente
electrónica. Esta definición deja fuera una gran parte de los instrumentos
electrónicos híbridos desarrollados a finales de siglo pasado que la electrónica
usaba para manipular o para amplificar sonidos.
El Resonador De Helmoltz
Los primeros instrumentos electrónicos construidos desde 1870 a 1915 utilizaron una variedad de técnicas para generar el sonido: la rueda del tono (usada en el Telharmonium y el Choralcello) era un disco de metal que rotaba en un campo magnético causando variaciones en una señal eléctrica, una chispa electrónica causaba fluctuaciones directas en el aire (usado únicamente en el "Arco del Cantar" de Duddell en 1899). Elisha Gray creó "el telégrafo musical", un efecto de la tecnología del teléfono.
El "Telharmonium" o "Dynamophone",
ideado por Thaddeus Cahill, puede considerarse el primer instrumento
musical electrónico significativo. El primer modelo completamente terminado
fue presentado al público en 1906 en Holyoke.
El Telharmonium era esencialmente una grupo de 145 dinamos modificados
que empleaban un número de ejes especialmente engranados y de inductores asociados
para producir las corrientes alternas de diversas frecuencias de audio. Estas
señales estaban controladas por un sistema múltiple de teclados sensibles
polifónicos y por bancos asociados de controles.
Thadeus Cahill
En los primeros modelos, el sonido que resultaba era audible a través de los cuernos acústicos del piano. Los últimos modelos fueron conectados directamente a la red de teléfono (era la única manera de amplificar el sonido en la era del preamplificador). El Telharmonium suministró de 1 amperio a cada receptor del teléfono. Podía oirse la música sin el receptor del teléfono al oído, sin embargo esto también enmascaraba e interrumpía cualquier otra señal en la línea. El instrumento se tocaba a cuatro manos y reproducía generalmente la música "respetable" de la época: Bach, Chopin, Grieg, Rossinni, etc.
Telharmonium
El Telharmonium era una estructura inmensa de aproximadamente
200 toneladas de peso y 60 pies de largo. El monstruoso instrumento ocupó
un piso entero en la calle 39 de Broadway, Nueva York, durante 20 años.
A pesar de las excesivas proporciones del Telharmonium, el sonido que
producía era flexible e inusualmente, el instrumento era transportable (se
utilizaron 30 vagones de ferrocarril para transportarlo desde Holyoke a Nueva
York). Era un instrumento musicalmente avanzado a su época pero muy impopular
entre los músicos, que tenían poco tiempo para practicar en un teclado tan
inusual. Este factor ayudó a que el instrumento acabara muriendo.
Cahill terminó el tercer y último Telharmonium en
marzo de 1911. Esta máquina era incluso más grande y más
costosa que su predecesora. El tercer Telharmonium tenía un
sistema entero de los alternadores reajustados (de mayor alcance que los anteriores),
imanes más fuertes para reducir el retumbo, y controles de volumen
bajos. El instrumento fue instalado en el número 535 de la calle 56
de Nueva York.
Cahill y la "Nueva Inglaterra Electric Music Company"
financiaron un plan para transmitir el Thelarmonium que usaba el
Dynamophone a los hoteles, restaurantes, teatros y hogares a través
de la red de teléfono. Esta búsqueda del visionario falló
cuando los gastos de establecimiento llegaron a ser prohibitivos y fue descubierto
que la máquina interfería seriamente con llamadas telefónicas
locales. El último Telharmonium funcionó hasta 1916 y
sobrevivió al desplome de Wall Street y a la Primera Guerra Mundial,
pero murió con el "boom" de la radiodifusión. A pesar
de su muerte, el Telharmonium impulsó el nacimiento de la música
electrónica. El compositor italiano Ferruccio Busoni inspirado
por la máquina escribió su "Bosquejo de una nueva estética
de la música" (1907) que se convirtió en la llamada
y la inspiración para la nueva generación de compositores electrónicos
tales como Edgard Varèse y Luigi Rusolo.
El Choralcello ("voces divinas") era un instrumento electrónico y electro-acústico híbrido. El Choralcello fue diseñado y desarrollado por Melvin Severy con la ayuda de su hermanastro George B. Sinclair. La máquina fue fabricada en Boston como órgano casero y fue presentado al público en 1909. Por lo menos seis de los instrumentos fueron vendidos y continuaron siendo utilizados hasta los años 50.
Choralcello
El Choralcello era un contemporáneo directo del Telharmonium; aunque no era tan grande,
seguía siendo un instrumento enorme que usaba una sistema electromagnético
similar al del sonido de la rueda del tono del Telaharmonium. El Choralcello
consistía en dos teclados, el superior (del piano) que tenía 64 llaves
y el inferior con 88 (piano y órgano), controlando (en modelos más últimos)
88 ruedas del tono y un sistema de las secuencias del piano que vibraban gracias
a unos electroimanes y un sistema de martillos. Los teclados también tenían
un sistema de paradas al estilo del órgano para controlar el timbre y tono.
El Choralcello también incorporó un mecanismo de rodillo de papel al
estilo del de la pianola y un sistema de tablero de pedal de 32 notas. La
máquina entera podía ocupar dos sótanos de una casa; los teclados y los altavoces
eran las únicas piezas visibles del instrumento.
Antes de que Thomas Alva Edison inventara la iluminación eléctrica de calle, la iluminación con arco de carbón se extendía por toda Europa. El problema con este método de iluminación, aparte de la matidez de la luz y del uso insuficiente de la electricidad, era el ruido constante del tarareo del arco. Designaron al físico británico Guillermo Duddell para solucionar el problema en Londres en 1899 y durante sus experimentos encontró que variando el voltaje provisto a las lámparas se podían crear frecuencias audibles controlables.
Lámpara de arco de carbón
Uniendo un teclado a las lámparas de arco Duddell creó el
primer instrumento electrónico que era audible sin usar el sistema de teléfono
como amplificador/altavoz.
Duddell viajó por el país con su invención que desafortunadamente nunca
se convirtió en más que una novedad. Las capacidades audio de la lámpara de
arco de carbón también fueron utilizadas por Thadeus Cahill durante
sus demostraciones públicas de su Telharmonium diez años más tarde.
Elisha Gray (Barnesville, Ohio, 1835 - Newtonville, Massachusetts, 1901) habría sido conocido por todo el mundo como el inventor del teléfono si Alexander Graham Bell no hubiera llegado una hora antes a la oficina de patentes. En su lugar, entró en la historia como el creador accidental de uno de los primeros instrumentos musicales electrónicos, el telégrafo musical.
Elisha Gray
Gray descubrió que podría controlar el sonido que vibraba en el circuito
electromagnético y al intentarlo inventó accidentalmente un oscilador básico.
El "telégrafo musical" utilizaba cañas de acero para que
las oscilaciones fueran creadas y transmitidas sobre una línea telefónica
a través de los electroimanes. Gray también construyó un dispositivo
simple de altavoz en sus últimos modelos, que consistía en un diafragma que
vibraba en un campo magnético para hacer el oscilador audible.
Después de muchos años de pleito, A. G. Bell fue nombrado legalmente
el inventor del teléfono, y en 1872 Gray fundó la Western Electric
Manufacturing Company, firma padre de los actuales Western Electric
Company. Dos años más tarde se retiró para continuar la investigación
independiente y enseñar sus conocimientos en la universidad de Oberlin.
Telégrafo musical
El primer telégrafo musical de Elisha Gray tenía bastantes osciladores de un solo tono para tocar dos octavas, y modelos más nuevos fueron equipados de un control simple de la rueda del tono. Alexander Graham Bell también diseñó una "arpa eléctrica experimental" para la transmisión del speach sobre una línea telefónica usando tecnología similar a la usada por Gray.
Lee De Forest inventó la válvula electrónica de triodo o "la válvula audión" en 1906, un desarrollo mucho más sensible que la válvula de diodo de John A. Fleming. El uso inmediato de la válvula del triodo de De Forest estaba en la tecnología de radio de la cual De Forest era un tenaz promotor. De Forest también descubrió que la válvula era capaz de crear frecuencias de audio usando la técnica de la frecuencia heterodyning/beat (combinar dos señales de alta frecuencia para crear una frecuencia compuesta más baja dentro de la gama audible).
Lee De Forest
"El Audión piano" (1915) de De Forest fue el primer instrumento del tubo de vacío. Era un instrumento simple de teclado, pero era el primero en utilizar el sistema heterodyning. De Forest utilizó una sola válvula de triodo por octava que estaban controladas por un sistema de llaves. La salida del instrumento era enviada a un sistema de altavoces que se podían colocar alrededor de un cuarto para dar al sonido un efecto dimensional. De Forest planeó una versión más avanzada del instrumento con válvulas separadas por llaves permitiendo la polifonía.
Válvula de Triodo
El Theremin monofónico era un instrumento bastante raro que se tocaba
sin que el intérprete tuviera que poner las manos encima. Dos antenas metálicas
salían de una caja de madera; la vertical controlaba el tono y la horizontal
el volumen. Al mover las manos cerca de las antenas, la capacidad natural
del cuerpo del intérprete provocaba fluctuaciones en los osciladores correspondientes,
lo que causaba una subida del tono y un aumento del volumen.
Lev
Termen (o Leo Theremin como se le conoció con posterioridad) ideó este nuevo
concepto en 1917, cuando aún era ciudadano de la recién formada Unión Soviética.
El instrumento básico se completó en 1920, y dos años después Theremin fue
reclamado para presentar y demostrar su invención ante el mismísimo Lenin.
Termen tocando el theremin
Además de tocarlo, Theremin también ofreció a Lenin una rápida lección
sobre el instrumento durante su audiencia privada. Sus explicaciones impresionaron
tanto al líder ruso que éste ordenó la construcción de 600 unidades y envió
a Theremin a una gira mundial. Este periplo sirvió para difundir el sonido
del Theremin por toda Europa y Estados Unidos, hecho que lo convirtió en el
instrumento 100% electrónico más famoso hasta la fecha.
Theremin pasó por Nueva York durante sus viajes y se trasladó allí
en 1928, estableciéndose muy pronto entre la comunidad artística de la ciudad.
En esta ciudad continuó con su trabajo en numerosos proyectos electrónicos,
y patentó el diseño del RCA Thereminvox de 1930, el primer Theremin comercial
de consumo masivo. Ese mismo año Theremin colaboró con el compositor Henry
Cowell en el Rhythmicon, un combo antepasado de la caja de ritmos/secuenciador.
Termen también completó el Theremin Cello, al que podríamos describir como
un Theremin con un primitivo controlador de cinta para el tono.
A diferencia
de los anteriores instrumentos electrónicos, el Theremin no dejó nunca de
utilizarse, y se convirtió en el instrumento único y duradero que todavía
se emplea.
El modelo de 1920 de la producción del Theremin
El Ondes-Martenot, inventado en 1928 por el francés Maurice Martenot, era bastante parecido al Theremin, ya que utilizaba los mismos circuitos básicos para generar el sonido y podía producir ruidos parecidos. Por contra, su extraña apariencia barroca (una especie de clavicordio acoplado a tres armarios) contradecía el hecho de que tocarlo resultase muy fácil. Además del teclado "estilo piano", el Ondes-Martenot contaba igualmente con un controlador de cinta que servía para imitar la forma de tocar el Theremin. Esto último permitía obtener a la vez melodías precisas y barridos de cambios de tono. Los tres armarios eran un altavoz, un resonador de cuerdas (similar al cuerpo de una guitarra acústica) y un resonador tipo gong. Cada una de las unidades imprimía un timbre característico al sonido, que también podía modificarse con los controles incorporados al teclado. En definitiva, el Ondes-Martenot fue un instrumento mucho más versátil que el Theremin, cuya limitación se establecía en un sólo sonido.
Versión temprana del Ondes-Martenot
Mientras que el Theremin se escucha con especial preponderancia en las composiciones de música pop y en bandas sonoras de hoy en día, el Ondes-Martenot sigue estando conceptuado como un instrumento orquestal.
El Electrophon (1921)
La gama de
instrumentos electrónicos Sphäraphon fue desarrollada en Berlín de
1921 a 1928 por el músico Jörg Mager específicamente para la música
microtonal. El instrumento inicial, "el Electrophon", construido
con la ayuda de la compañía electrónica Lorenz, era un instrumento
basado en el generador heterodyning. El Electrophon estaba controlado
por una manija que el músico movía a través de un dial semicircular que creaba
un efecto continuo del glissando y no tenía ningún control manual del teclado.
Jörg Mager tocando el Kurbel-Sphäraphon (1923)
Kurbel-sphäraphon
El Kurbelsphäraphon era un Electrophon mejorado con filtros
que mejoraban el timbre y evitaban el glissando continuo. Tenía dos manijas
y un pedal doble de pie para controlar el volumen. El Kurbel-Sphäraphon
fue terminado en 1923 y presentado en el festival de Donaueschingen en 1926
donde fue ignorado por todo el mundo. El compositor Georgy Rimsky-Korsakov
(nieto del célebre compositor ruso) compuso algunos piezas experimentales
para el instrumento.
El Partiturophon
El "Partiturophon"
tenía cuatro (en modelos más últimos, cinco) teclados. Este instrumento
permitía al intérprete tocar cuatro (o cinco) voces simultáneamente, una voz
por teclado.
Jörg Mager con el "Partiturophon"
El Kaleidophon
El "Kaleidophon" fue terminado en 1939 y aunque su historia
está bastante indocumentada se describe como "un instrumento monofónico
electrónico con mezclas".
Los instrumentos de Mager fueron utilizados principalmente en producciones
de teatro en Alemania; no se sabe sin embargo si sobrevivió alguno a la Segunda
Guerra Mundial. Lo último que se sabe es que Mager los donó a un pequeño
castillo en Darmstad donde él fundó el für Elektro Akustische Musik de
Studiengesellschaft.
El Staccatone (1923)
El Staccatone fue diseñado por el periodista de radio Hugo Gernsback.
El Staccatone utilizaba un determinado número de osciladores LC para
producir una nota con agudo, ataque, y decaimiento.
El Pianorad (1926)
El Pianorad
era un desarrollo del Staccatone diseñado otra vez por Gernsback
y construido por Clyde Finch en los laboratorios de radio de Nueva
York.
El Pianorad tenía 25 osciladores. Cada de los ellos tenía su propio
altavoz independiente, montado en un cuerno grande del altavoz encima del
teclado y el conjunto entero estaba contenido en una cubierta que se asemejaba
a un harmonium. El Pianorad fue presentado el 12 de junio de 1926 en
la estación de radio WRNY en New York City; y durante mucho tiempo
acompañó conciertos de piano y violín.
El Pignorad
Los circuitos integrados nacieron a principios de los años 60. Robert Moog, Donald Buchla y otros crearon una nueva generación de instrumentos electrónicos de fácil uso, fiables y populares.
A finales de 1963, a raíz de un encuentro casual con el profesor
de música y compositor experimental HerbDeutsch, Robert Moog apartó
los Theremins y los amplificadores
portátiles de guitarra para aplicar los osciladores electrónicos a un posible
uso musical. Su trabajo en casa le llevó a conseguir la unión de varios circuitos,
un par de osciladores, sendos amplificadores y un modulador.
Lo revolucionario del diseño de Moog fue su empleo del control de la
tensión para variar el tono del oscilador o el volumen del amplificador. Los
instrumentos anteriores, como el Theremin, se basaban en condensadores que
modificaban el tono de un oscilador, mientras que los teclados previos sólo
recurrían a un conjunto de osciladores, uno por cada tecla, fijados de forma
permanente a un tono definido.
Robert Moog
El año siguiente, con la colaboración de Herb Deutsch, Moog presentó
más circuitos controlados por tensión (incluido un filtro con un agradable
carácter chillón) hasta que dio vida al primer Moog modular. Los prototipos
de Moog circularon entre los miembros de la comunidad académica musical
y, en el otoño de 1964, Moog pudo por fin hacer una demostración del
mismo en la Audio Engineering Society. En esta convención, Moog
ya recibió sus primeros pedidos, y descubrió que, en apenas tiempo, se encontraba
sumergido de lleno en el negocio de la fabricación de sintetizadores modulares.
Las opiniones de muchos clientes se encargaron de forma involuntaria de modelar
el desarrollo de los prototipos posteriores, y muy en particular las impresiones
de un joven compositor llamado Walter Carlos (más tarde Wendy). Carlos
había estudiado en el Columbia-Princeton Electronic Music Center (hogar
del RCA Synthesizer), y estaba decidido a configurarse un impresionante
equipo Moog modular. Casi todos los modulares que Moog vendía
en los 60 eran para universidades o investigadores reconocidos como John
Cage y Vladimir Ussachevsky, así que el sintetizador estaba bastante
alejado de las masas. Sin embargo, Carlos tenía otras ideas, y comenzó
a grabar con paciencia interpretaciones con sintetizadores de la música clásica
de Bach. Desde su difusión en 1968, Switched On Bach se convirtió en
un triunfo musical y técnico, ya que se aprovechó de un modo espectacular
la suma de la potencia y gama expresiva del Moog Modular. Pero lo más importante
es que supuso un enorme éxito mundial que vendió más de un millón de copias
y acabó por desplazar al sintetizador de las sombras académicas para ganarse
un papel protagonista en la música popular.
Wendy Carlos
Muchos músicos interesados en los sintetizadores se desanimaron ante la realidad de siete u ocho metros cuadrados de armario sólido, repleto de botones conectados por medio kilómetro de cables. La mayoría pidió algo más pequeño para poder transportarlo sin la ayuda de una maquinaria de elevación pesada, y su demanda recibió respuestas desde diversas fuentes. Para empezar, una nueva firma llamada EMS iba a dar a luz el primer sintetizador portátil comercial. Aunque EMS (Electronic Music Studios) se convirtió en empresa en 1969, las personas que trabajaban en ella (Peter Zinovieff y David Cockrell) ya habían colaborado juntos durante toda esa década, como demostraba la producción de equipos para el estudio del primero. Por su parte, Cockrell había diseñado e instalado un enorme sinte/vocoder controlado por ordenador llamado DOB (Digital Oscillator Bank), con otros dispositivos a medida. A finales de los 60 decidieron arriesgarse a producir algunos dispositivos de comercialidad viable.
Moog Modular Synthesiser (1967)
El resultado fue el VCS3. Las siglas se
referían a Voltage Controlled Synthesizer, mientras que la cifra describía
su número de osciladores. Se trataba de una carcasa de madera con forma de
L de unos 45 centímetros de altura, y lo bastante ligero como para que una
sola persona pudiera transportarlo, lo que sin duda respondía a los sueños
de cualquier intérprete de sintetizador. Para empezar, el VCS3 desarrollaba
un concepto modular y utilizaba una matriz de pines en lugar de cables para
conectar los diversos circuitos. Esto lo hizo muy flexible (razón por la que
gustaba a mucha gente), aunque su resultado aún era desalentador (a muchos
no les gustaban sus limitaciones). También sufrió el efecto de unos VCO
muy inestables, que causaban una pobre estabilidad tonal. Estas carencias
motivaban que el VCS3 no aguantara afinado un concierto completo. No obstante,
los fallos no disuadieron a un joven Brian Enoa la hora de subirse al escenario
con un peinado estrafalario y un VCS3 como instrumento de acompañamiento
de Roxy Music, en 1971. Su intención era emplearlo a fondo para dar
forma al sonido del grupo. Pese a sus defectos, el VCS3 fue el primer
sintetizador portátil, ganando por poco incluso al más famoso y buscado instrumento
de la posteridad.
El MiniMoog
apareció en el verano de 1970, y se ha consagrado como el sintetizador
más clásico de la historia. Aunque hoy es habitual, su camino de señal previo
a la conexión supuso una enorme innovación que permitía al usuario tocar música
desde que enchufaba el instrumento. Esto, junto al teclado incorporado, lo
convirtieron en el sintetizador con el aspecto más amigable del mercado. Si
le añades su famoso sonido cálido, obtendrás la fórmula de un triunfador absoluto.
O no... Lejos de recibir las alabanzas que su legendaria condición le reporta
en la actualidad, en su momento las tiendas musicales americanas no recibieron
con buenos ojos la existencia del MiniMoog. Es más, no veían un mercado
real para ningún sintetizador y durante el primer año de vida del aparato
no cambiaron de opinión. Por suerte para Moog (y para el mundo del
sintetizador en general), un tal Dave Van Koevering decidió montar
su propia empresa para vender unidades de MiniMoog a tiendas musicales
poco predispuestas, bajo la premisa de no aceptar nunca una negativa por respuesta.
Su mezcla de determinación y astutas técnicas de venta hizo que los comercios
del ramo empezaran a llevarse el MiniMoog poco a poco. Ya a finales de 1971
comenzaba a formarse la leyenda que hoy conocemos.
Moog MiniMoog
La siguiente generación de instrumentos electrónicos fueron los sintetizadores digitales de los años 80. Estos sintetizadores eran de control complejo y se controlaban a partir de un software. Los primeros modelos fueron los Yamaha DX y los sintetizadores de Casio CZ.
La compañía japonesa Yamaha que también hace muebles, motos, guitarras, bañeras, pianos, esquís, raquetas de tenis y maquinaria de la construcción entre otras cosas, se introdujo en el mercado musical del instrumento en 1900 con la construcción de pianos para el mercado japonés, su primer instrumento electrónico fue el órgano Electone D-1 construido en 1959. Al poco tiempo crearon el sintetizador GX1, el Cs-80, la computadora digital Cx5 y el revolucionario sintetizador digital DX7.
El sintetizador de
Yamaha GX1 (1974)
El GX1 fue el primer sintetizador polifónico de Yamaha; aunque fue innovador
en su tiempo, el instrumento estaba fuera del alcance económico de la mayoría
de los músicos ya que se vendían por £30,000 en 1976. Yamaha vendió muy pocos
modelos.
El Yamaha GX1
El Cs-80 Synthesiser (1976)
El Yamaha CS80, sintetizador polifónico, era un desarrollo del modelo GX1,
en una gama de precio comprable (£5,000 en 1976), y la competencia directa
del Moog Polymoog. El CS80 era un sintetizador polifónico complejo con 16
osciladores, 32 filtros y almacenamiento de memoria.
La Computadora digital de
Yamaha CX5
La computadora
digital CX5 era un sintetizador digital multi-timbral de FM controlado por
un teclado y una UDV. Puesto que el CX5M era totalmente MSX compatible, los
procesadores de textos, los juegos y otros programas de computadora de fines
generales eran posibles.
Un Yamaha CX5 sin la unidad de la UDV
El sintetizador DX7
El sintetizador
DX7 fue el primero verdaderamente digital y fue lanzado con gran éxito
comercial en 1983, vendiendo unas 180.000 unidades. El DX7 utilizó
un tipo de modulación de la frecuencia desarrollada por el profesor
Juan Chowning en la universidad de Stanford en los años 70. En síntesis
de FM los sonidos eran creados por las unidades conocidas como "operadores",
que pueden actuar como los moduladores. Cuando está conectado, uno
modula el sonido del otro para producir una nuevos echada y tono. El DX7 tiene
seis operadores que puedan ser colocados en 32 arreglos ("algoritmos").
El DX7 fue uno de los primeros sintetizadores con un complemento completo
de los puertos de MIDI. También tenía un puerto único de la entrada del regulador
de la respiración. Este dispositivo permitió al usuario manipular el timbre
de los instrumentos usando la presión de la respiración a través de un tubo.
El DX7 tiene 16-notas polifónicas, una velocidad de 61, un teclado de aftertouch,
32 de memoria, memoria adicional de cartucho y salida monofónica.
Yamaha DX7
Casio, la compañía electrónica japonesa, ingresó en el negocio profesional del sintetizador en 1982. Todos sus sintetizadores eran interfaces de programación conducidos por menús digitales. La línea CZ utilizó lo que llamaron "síntesis de distorsión de fase" y estuvo entre los primeros teclados comercialmente disponibles de MIDI.
El Casio CZ101
La gama 1982-1992 de Sintetizadores Casio
Cz-101
49 mini-teclados dominantes, 16 remiendos de la ROM, 16 remiendos del ESPOLÓN.
Polifónico, multi-timbral (4part).
Cz-1000
Un Cz-101 con teclas del mismo tamaño.
Cz-5000
Dos CZ-101 con teclas del mismo tamaño y onboard en tiempo real.
Cz-3000
El Cz-3000 es el Cz-5000 sin el secuenciador.
Fz-1
Teclado digital del mismo tamaño del muestreo. Muestreo de 16 bit/30k (hasta
2 megabytes). Oversized 64x96 LCD retroiluminado con OS controlado por menú,
3'5 de HD (interfaz opcional) de SCSI, 8 salidas individuales, 16-way multitimbral
(solamente 8 notas polifónicas).
Fz-10m
Salidas individuales de los módulos Fz-1. 8 del estante, memoria del estándar
de 2 MBYTES.
Fz-20m
Fz-10m + un interfaz del disco duro de SCSI.
Vz-1
Velocidad y aftertouch programables del mismo tamaño del teclado. 16 notas
polifónicas. 8 osciladores por nota (128 osciladores total). Multitimbral,
aunque no tiene asignación dinámica de la nota. Ningún secuenciador.
Vz-8m
Módulo polifónico del ampliador de 8 notas para las provisiones de VZ-1/10m.
Vz-10m
16 módulo rackmounted de la voz VZ. Secuenciador de varias trayectorias .
SZ1
Secuenciador de pista time/step MIDI, memoria de 3600 notas con un cartucho
de datos o un interfaz del cassette.
Módulo de muestreo del Casio FZ10m
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